Cine cubano en dvd

La Cinemateca de Cuba y Fnac están editando en video películas cubanas de la etapa revolucionaria. Altamente recomendable es La primera carga al machete, de Manuel Octavio Gómez (La Habana, 1934-1988).

Octavio Gómez fue miembro fundador del ICAIC. Su cine se caracteriza por la constante búsqueda formal y la variedad temática, así como por la comprensión de la cultura popular. Luego de filmar una serie de documentales didácticos, rodó La primera carga al machete, un film audaz y polémico, fotografiado por Jorge Herrera.

El film recrea momentos de la batalla de la independencia de los cubanos contra la dominación española, filmados por un reportera, nada menos que un cuarto de siglo antes de que los hermanos Lumière dieran a conocer el cinematógrafo. Apoyado por recursos como la cámara en mano, el sonido directo y el cine-reportaje, el filme reconstruye con un tratamiento documental de vieja crónica, fragmentos de una época de la historia de Cuba: el comienzo de la Guerra de los Diez Años (1868-1878), cuando el machete, instrumento de trabajo, pasó a ser arma de combate en manos de los mambises contra las tropas españolas.

Este film recibió la Medalla de oro y el premio Luis Buñuel de la Crítica Cinematográfica Española, Festival Internacional de Cine de Venecia (1969), así como el Premio del Jurado en el Festival de Lovaina, Bélgica. Ha sido seleccionado entre los filmes más significativos del año, según la crítica de su país.

La violencia como creación

Referente del Cinema Novo brasileño, Glauber Rocha definió en su “Estética de la violencia” una realidad que aunque perdura en el continente americano, hoy tiene una oportunidad para cambiar. En su cine, esa realidad fue definitoria, tanto en su expresión como en su significado. Ese escrito es parte de un tríptico que se completa con la "Estética del hambre" y la "Estética del sueño". Ha pasado algún tiempo desde que Rocha publicó su manifiesto político y estético. Es oportuno revisarlo en esta hora, aunque el texto fue dado a conocer por su autor en Génova, durante el mes de enero de 1965. En la "Estética de la violencia" dice:

Evito la introducción informativa que se ha hecho característica en las discusiones sobre América Latina; prefiero definir el problema de las relaciones entre nuestra cultura y la cultura civilizada en términos menos limitativos que los que emplea en su análisis el observador europeo. En realidad, mientras América Latina llora desconsoladamente sobre sus desgarradoras miserias, el observador extranjero no las percibe como un hecho trágico, sino como un elemento formal del campo de su encuesta.

En los dos casos, este carácter superficial es fruto de una ilusión que se deriva de la pasión por la verdad (uno de los más extraños mitos terminológicos que se haya infiltrado en la retórica latina), cuya función es para nosotros la redención, mientras que para el extranjero no tiene más significado que la simple curiosidad, a nuestro entender, nada más que un simple ejercicio dialéctico. De ese modo, ni el latinoamericano comunica su verdadera miseria al hombre civilizado, ni el hombre civilizado comprende verdaderamente la miserable grandeza del latinoamericano.

Fundamentalmente, la situación del arte en Brasil puede sintetizarse de este modo: hasta ahora, una falsa interpretación de la realidad ha provocado no solo una serie de equívocos que nos han limitado al campo artístico, sino que han contaminado sobre todo el campo político. El observador europeo se interesa por los problemas de la creación artística del mundo subdesarrollado en la medida en que estos satisfacen su nostalgia por el primitivismo; pero ese primitivismo se presenta bajo una forma híbrida, es heredado del mundo civilizado, y mal comprendido, puesto que ha sido impuesto por el condicionamiento colonialista.

América Latina es una colonia; la diferencia entre el colonialismo de ayer y el de hoy reside solamente en las formas más refinadas de los colonizadores actuales. Y mientras tanto, otros colonizadores tratan de sustituirlos con formas todavía más sutiles y paternalistas. El problema internacional de América Latina no es más que una cuestión: el cambio de colonizador; por consiguiente, nuestra liberación está siempre en función de una nueva dominación.

El condicionamiento económico nos ha llevado al raquitismo filosófico, a la impotencia a veces consciente, a veces no: lo que engendra, en el primer caso, la esterilidad, y en el segundo, la histeria. De ello se deriva que nuestro equilibrio, en perspectiva, no puede surgir de un sistema orgánico sino más bien de un esfuerzo titánico, autodestructor, para superar esa impotencia. Solo en el apogeo de la colonización nos damos cuenta de nuestra frustración. Si en ese momento, el colonizador nos comprende, no es a causa de la claridad de nuestro diálogo, sino a causa del sentido de lo humano que posee eventualmente. Una vez más el paternalismo es el medio utilizado para comprender un lenguaje de lágrimas y de dolores mudos.

Por eso, el hambre del latinoamericano no es solamente un síntoma alarmante de la pobreza social; es la ausencia de su sociedad. De ese modo podemos definir nuestra cultura de hambre. Ahí reside la práctica originalidad del nuevo cine en relación con el cine mundial: nuestra originalidad es nuestra hambre, que es también nuestra mayor miseria, resentida pero no comprendida.

Sin embargo, nosotros la comprendemos, sabemos que su eliminación no depende de programas técnicamente elaborados, sino de una cultura de hambre que, al mirar las estructuras, las supera cualitativamente. Y la más auténtica manifestación cultural del hambre es la violencia. La mendicidad, tradición surgida de la piedad redentora y colonialista, ha sido la causa del estancamiento social, de la mistificación política y de la mentira fanfarrona.

El comportamiento normal de un hambriento es la violencia, pero la violencia de un hambriento no es por primitivismo: la estética de la violencia, antes de ser primitiva, es revolucionaria, es el momento en que el colonizador se da cuenta de la existencia del colonizado. A pesar de todo, esta violencia no esta impregnada de odio sino de amor, incluso se trata de un amor brutal como la violencia misma, porque no es un amor de complacencia o de contemplación, es amor de acción, de transformación.

Ya se han superado los tiempos en que el nuevo cine necesitaba explicarse para poder existir; el nuevo cine necesita hacerse un proceso a sí mismo para darse a comprender mejor, por lo menos en la medida en que nuestra realidad puede ser comprendida a la luz de un pensamiento que el hambre no debilite o haga delirante.

Por lo tanto, el nuevo cine no puede sino desarrollarse en las fronteras del proceso económico-cultural del continente. Por eso, en sus verdaderos comienzos, no tiene contacto con el cine mundial, salvo en lo concerniente a sus aspectos técnicos, industriales y artísticos.

Nuestro cine es un cine que se pone en acción en un ambiente político de hambre, y que padece por lo tanto de las debilidades propias de su existencia particular.

Pequeño planeta cinematográfico

Pequeño planeta cinematográfico es el reciente libro editado de Michel Ciment. El autor es crítico cinematográfico desde 1963, cuando entró a formar parte del grupo de escritores de Positif.

El libro pretende ilustrar los últimos cuarenta años del cine de autor, a través de diálogos que Ciment mantiene con distintos cineastas, entre los que se encuentran: Bresson, Godard, Fellini, Bertolucci, Oliveira, Angelopoulos, Makavejev, Kusturica, Skolimowski, Kieslowski, Jancsó, Von Trier, Herzog, Kaurismaki, Andersson, Boorman, Cassavetes, Scorsese, Malick, Tarkovski, Reisz, Greenaway, Arcand, Cronenberg, Campio, Hsiao-Hsien, Zhang Yimou, Kitano, Imamura, Oshima...

De los latinoamericanos, están Ripstein y Glauber Rocha. Ciment se lamenta por no haber podido entrevistar para esta ocasión al huidizo Erice o al mediático Almodóvar, así que además de la ausencia de cineastas españoles, el libro acusa otra ausencia, la de África.

Nota: la imagen es de Foureyes.

Adiós a Ousmane Sembene

Nació en África. Fue estibador, mecánico, carpintero y pescador. También escritor: "Le Docker Noir" es su primera novela. Pero eligió el cine para llegarle a su gente. Estudió en la Unión Soviética. Su cine: militante, profundamente africano.

Borom Sarret, Niaye, La Noire de..., Le mandat, Xala, Ceddo, Camp de Thiaroye, Guelwaar... una producción que habla de un África profunda, desconocida: la comunidad, la corrupción de las elites, un modelo familiar que cambia, el rol de las mujeres modernas, la soledad del ciudadano frente a la burocracia, el colonialismo, la pobreza... Sátiras sobre los burgueses, los líderes políticos, el fundamentalismo religioso.

Faat Kiné, Moolaadé... la trilogía inconclusa.

“Mis imágenes no son sólo para entretener y ganar dinero. Todavía adhiero a lo que dijo Lenin: ‘Un artista debe hacer dinero para vivir y trabajar, pero no debe trabajar para hacer dinero’. Creo que mis películas son una herramienta de educación. Quiero devolverles el orgullo y la dignidad a los africanos. Por eso uso, siempre que puedo, lenguajes nativos: en Mooladé se habla wolof, diola —de Senegal— y bambara, una lengua usada en Mauritania, Mali, Burkina Faso y Costa de Marfil. Mi público es Africa; Occidente y el resto son mercados. Además quiero mantener mi estética lo más cercana posible a la narrativa oral tradicional de nuestros países, con lo cual no uso nunca métodos tomados de Hollywood o el cine europeo. Mi meta, y espero lograrlo, es crear un lenguaje fílmico africano”.

Ousmane Sembene murió en Dakar, pero nos dejó sus películas, y con ellas, su fuerte compromiso con su continente.

Próximos cursos

El próximo 11 de junio estaremos iniciando CINE DOCUMENTAL, un curso dictado por Marcela Barbaro*, que te dará las herramientas para entender e interpretar el impulso que actualmente va tomando este género, a través de su historia, de las diversas teorías que lo justifican y del análisis de obras imprescindibles.

También daremos comienzo al taller de análisis fílmico, EL SENTIDO DEL FILM, a cargo de Liliana Sáez**, por medio del cual se busca observar los mecanismos detrás de la obra que el espectador ve.

Además, hacemos el último llamado para incorporarse al curso LA CRÍTICA QUE LEEMOS, que se inicia la semana próxima, dictado por Isabel González***.

Para obtener mayor información sobre cada una de nuestras propuestas te invitamos a visitar nuestra página web.

* Marcela Barbaro es Licenciada en Relaciones Públicas y Técnico en Crítica Cinematográfica. Publica en Kinephilos y en Subjetiva.

** Liliana Sáez es Licenciada en Artes, con especialización en Cinematografía y posgrado en Periodismo. Edita y publica en Kinephilos y publica en Miradas de Cine.

***Isabel González es Licenciada en Artes y Profesora del Dpto. de Cinematografía en la Escuela de Artes (Universidad Central de Venezuela).

Cine para descubrir

Como cada año, el Festival de Cannes arroja entre sus premiados algunas cinematografías desconocidas que son bienvenidas en las carteleras cinematográficas.

Palma de Oro:

4 meses, 3 semanas y 2 días, de Cristian Mungiu (Rumania)

Gran premio especial del jurado

Mogari no mori (Foresta en duelo), de Naomi Kawase (Japón)

Gran Premio Especial 60º Aniversario

Gus Van Sant (EE.UU.), por Paranoid Park y el conjunto de su obra.

Mejor director

Julian Schnabel por Le scaphandre et le papillon (La escafandra y la mariposa, Francia)

Mejor actriz

Jeon Doyeon por Secret Sunshine de Lee Chang-dong (Corea del Sur)

Mejor actor

Konstantin Lavronenko por Izgnanie (Destierro) de Andrei Zviaguintsev (Rusia).

Mejor guionista

Fatih Akin por su film Auf der anderen Seite (Del otro lado, Alemania-Turquía)

Premio del jurado

Stellet Licht (Luz silenciosa), de Carlos Reygadas (México)

Persépolis, de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud (Francia)

Mejor corto

Ver llover, de Elisa Millar ( México)

Cámara de oro mejor ópera prima

Meduzot (Las medusas), de Edgar Keret y Shira Geffen (Israel-Francia)

World Cinema Foundation

Además de convertirse en una vidriera y en un mercado internacional de cine, los festivales suelen esconder empresas destacables como la presentación de la World Cinema Foundation en el Festival de Cannes por Martin Scorsese.

Esta iniciativa viene a saldar una vieja cuenta con el cine que sobrevive en algunos archivos con el polvo acumulado, las cintas avinagradas y el deterioro propio de las continuas proyecciones de una misma copia que el paso del tiempo y las lámparas de los proyectores va mutilando poco a poco... con excepción de unos pocos casos, en que obsesivos vigilantes del deterioro del celuloide van restaurando y manteniendo estas copias que, muchas veces son únicas en el mundo.

Por otro lado, están los grandes coleccionistas (Turner, por ejemplo), que se han tomado el trabajo de colorear los grandes clásicos, que ha comprado oportunamente, esgrimiendo su posesión de derechos de autor para impedir que obras que ya pertenecen a la cultura universal sean proyectadas ante las nuevas generaciones.

Por todo esto, aplaudimos la iniciativa de Martin Scorsese, que ha aprovechado un marco internacional como es el Festival de Cannes y apoyado por la presencia de directores prestigiosos, como Wong Kar Wai, Alfonso Cuarón, González Iñarritu, Stephen Frears y Abderrahmane Sissako ha presentado su Fundación:

"Esta Fundación tiene sus orígenes en la Film Foundation en los Estados Unidos de América, donde junto a George Lucas, Steven Spielberg y John Ford Coppola, así como también con Pollack, Kubrick y Eastwood, entendimos que si comenzábamos a implicarnos con los archivos, aportando nuestra influencia de realizadores, podríamos ejercer cierta presión sobre los estudios y otras áreas que han ido descuidando el patrimonio cinematográfico norteamericano. Esto data de 1990. Todo este tiempo he estado pensando que sería grandioso aplicarlo internacionalmente, particularmente con países que no tienen la posibilidad financiera para restaurar ciertos films. Ahí es donde debe operar la tenacidad y la obsesión del realizador, ahí es donde estoy poniendo el acento...

...He visto grandes films por televisión. En particular, recuerdo haber aprendido algo sobre la India con las películas de Satjayit Ray, no mirando films sobre la India realizados por otros países. Eso abrió un mundo para mí. Las películas extranjeras, vistas a través de la televisión, me permitieron conocer diversas culturas. Una vez que comencemos a entender el valor que tienen esas películas, comenzaremos a sentirnos menos extranjeros hacia esas otras culturas, lo que finalmente, podría venir acompañado de cierta comprensión política".

La propuesta es que cada país emprenda la recuperación de su patrimonio fílmico, a través del padrinazgo de estos directores de cine. Este propósito tiene como objetivo preservar la identidad cultural nacional.

La World Cinema Foundation ha sido presentada formalmente, y para demostrarlo, Scorsese anunció que ya tiene en su haber tres películas apadrinadas: Límite (1931), del brasileño Mario Peixoto; Transes (1981) del marroquí Ahmed Al Maanouni; y La Foret des Pendus (1964) del rumano Liviu Ciulei.

El proyecto no se quedará en la simple conservación, sino que se propone, a través de una gran red de cinematecas, su divulgación. Los amantes del cine, agradecidos.

Curso: La crítica que leemos

Alrededor del hecho cinematográfico se han levantado tres grandes tipos de discursos: la teoría, el análisis y la crítica. Los cuales se han interesado fundamentalmente en definir qué es el cine, hallar la esencia del mismo, ajustar perspectivas para su estudio y ver el fenómeno cine como un gran campo de investigación, el cual se puede interrogar de acuerdo a los intereses del estudioso o el investigador.

El cine como cualquier otra práctica de carácter social, se muestra susceptible de ser evaluada o juzgada por otro. Desde esta perspectiva, la crítica cinematográfica no es más que un tipo de discurso que tiene en el film un punto de partida, pero cuyo objetivo dependerá de los intereses y de la formación del crítico, así como del medio donde se publica la crítica.


Historia de la crítica cinematográfica
Los medios y los críticos
El cine que se critica
Los géneros de la crítica
Análisis de críticas



En este curso haremos un recorrido donde analizaremos la crítica cinematográfica como discurso, considerando sus distintos formatos, la evolución histórica del mismo y sus tendencias más representativas. Todo ello con el fin de tener una comprensión integral de la crítica como actividad fundamental en el desarrollo del hecho cinematográfico.

Cannes 2007

Hoy comienza una nueva edición del Festival de Cannes, que se extenderá hasta el próximo 27 de mayo de 2007.

Este año se celebra el 60º aniversario, y para tal fin, sus organizadores han ideado convocar a un grupo de cineastas universalmente reconocidos para que cada uno filme un corto sobre el mismo tema: la sala de cine. De distintos rincones del mundo y con una trayectoria indiscutible, fueron invitados a participar Iñárritu, De Oliveira, Polanski, Loach, Moretti, Ruiz, Von Trier, August, Kaurismaki, Assayas, Lolouch, Depardon, los hermanos Cohen, Van Sant, Cimino, Cronenbrg, Egoyan, Champion, Suleiman, Gitai, Kiarostami, Hsiao-Hsien, Kitano, Yimou, Kaige, Konchalovsky, Chahine, Kar-wai, Ming-Liang...

También, y apoyando el Día Internacional de la Libertad de Prensa, que fue el pasado 3 de mayo, la organización Reporteros sin Fronteras (RSF) publicará, en colaboración con el Festival, un álbum con imágenes seleccionadas de los archivos de las agencias y fotógrafos que cubrieron durante 60 años el Certamen.

Este año, la tradicional Lección de Cine le corresponderá a Martin Scorsese, quien en tal oportunidad anunciará la creación de World Cinema Foundation, dedicada a la preservación y restauración de obras maestras del cine mundial.

Las 22 películas que compiten por la Palma de Oro son:

My Blueberry Nights, de Wong Kar Wai
Zodiac, de David Fincher
4 luni, 3 saptamini si 2 zile (4 Months, 3 Weeks And 2 Days), de Cristian Mungiu
Les Chansons d'amour, de Christophe Honoré
Izgnanie (The Banishment), de Andrei Zviaguintsev
No Country for Old Men, de Joel & Ethan Coen
Soom (Breath), de Kim Ki-duk
Tehilim, Raphahl Nadjari
Paranoid Park, de Gus Van Sant
Import Export, de Ulrich Seidl
Le Scaphandre et le papillon, de Julian Schnabel
Death Proof, de Quentin Tarantino
Stellet Licht, de Carlos Reygadas
Auf der anderen Seite (The Edge Of Heaven), de Fatih Akin
The Man from London, de Béla Tarr
Persepolis, de Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud
Alexandra, de Alexandr Sokurov
Secret Sunshine, de Lee Chang-dong
Une vieille majtresse, de Catherine Breillat
We Own the Night, de James Gray
Promise Me This, de Emir Kusturica
Mogari no Mori (The Mourning Forest), de Naomi Kawase

El jurado está compuesto por:

Presidente: Stephen Frears (director - Gran Bretaña)
Maggie Cheung (actriz - Hong Kong)
Toni Collette (actriz - Australia)
Maria De Medeiros (actriz, directora Portugal)
Sarah Polley (actriz, directora Canadá)
Marco Bellocchio (director Italia)
Orhan Pamuk (escritor Turquía)
Michel Piccoli (actor, director Francia)
Abderrahmane Sissako (director Mauritania)

En el cartel de promoción del festival aparecen: Pedro Almodóvar,Penélope Cruz,Juliette Binoche, Jane Campion, Souleymane Cissé, Gérard Depardieu, Samuel Jackson, Bruce Willis y Wong Kar Wai. El grafista Christophe Renard se encargó de una composición en la que se ha querido dar relevancia a "la energía creativa del cine", en lo que constituye "un homenaje a los actores y a los realizadores, colocados en el corazón de este festival aniversario". La fotos se corresponden con las instantáneas tomadas por el fotógrafo Alex Majoli, de la agencia Magnum, durante la pasada edición del certamen.

Cahiers du Cinèma - España

Una buena noticia es que hoy aparecerá Cahiers du cinema - España, bajo la responsabilidad de Carlos Heredero y que contará con un 25% de textos traducidos de la revista gala y un 75% de escritos realizados por críticos españoles. Su aparición será mensual y la tirada estará en los 17.000 ejemplares.

Para acompañar el nacimiento de la revista, la Filmoteca de Valencia ha preparado un ciclo de películas bajo el título "(Des)encuadernados", que se proyectarán también en el Centro Galego de Artes da Imaxe, la Filmoteca Española y la Filmoteca de Catalunya, y que incluye films como Les amants reguliers (Philippe Garrel, 2005), Café Lumière (Hou Hsiao-Hsien, 2003), Rois et reine (Pedro Costa, 2006) y Un couple parfait (Nobuhiro Suwa, 2005), entre otros.

Desde Aula Crítica les enviamos nuestras felicitaciones y celebramos las palabras de su director, Carlos Heredero:

"La publicación de Cahiers du cinéma España supone un acontecimiento de gran importancia para la cultura cinematográfica española, pues viene a heredar una tradición en la que se han mirado, desde hace más de cincuenta años, múltiples generaciones de cineastas, aficionados, críticos y estudiosos de nuestro país.

La revista será también un valioso canal de comunicación entre la cultura francesa, la española y la hispanoamericana, puesto que sus páginas prestarán gran atención al cine del otro lado del Atlántico. Los cineastas, las películas y los problemas reales del cine latinoamericano tendrán una presencia viva y constante en una revista que buscará, por lo tanto, los más eficaces canales de difusión en países como Argentina, Méjico, Cuba, Uruguay, Perú, etcétera".