GLOSARIO: M

Marcela Barbaro

MAKING OF (realizando la película): Se denomina making of a la filmación de cómo se ha realizado un film, es una forma de introducirnos y conocer detalles de la película detrás de la pantalla. En el making of pueden incluirse reportajes a los productores, a su director,  presenciar el armado del set, la caracterización de los actores, los dibujos del storyboard, los diseños previos a la imagen que veremos, etc.  El making of generalmente forma parte del menú de una película en DVD.

MAQUETA: Es un medio apto para reproducir de manera reducida o en escala real un lugar o un objeto real o ficticio. Tiene tres dimensiones y  aporta la cuota de verosimilitud necesaria para lograr los trucos y efectos especiales requeridos por la historia. Desde grandes reproducciones o miniaturas detallistas, las maquetas son creaciones diseñadas por el director de arte y su equipo, y sirven de base para la planificación del rodaje en la etapa de preproducción o bien como plató de filmación, como fue el caso del barco del Titanic (1997) construido para la película.    

MAQUILLADOR: Pertenece al grupo de trabajo del director de arte y se encarga de caracterizar y/o maquillar a los actores. El maquillaje como rubro fue ganándose un lugar junto a otras áreas importantes. Fue reconocido y premiado como categoría en la entrega de los Oscars. Entre las grandes creaciones del cine se encuentra el multifacético Lon Chaney, la mutación de Robin Williams en Mrs. Doubtfire (1993), las famosas orejas del capitán Spock, los orcos de la saga de El señor de los Anillos y muchos otros que lograron una verdadera transformación. 

MÁSCARA: Es un efecto visual sobre la lente de la cámara que cierra y acota el cuadro, a fin de orientar el punto de vista del espectador sobre un objeto de la escena que se necesita destacar. Es una forma de focalizar la atención. Las máscaras pueden adquirir distintas formas; las más conocidas son las del formato cerradura, los prismáticos, un óvalo, miras telescópicas, etcétera.

MATTE PAINTING: Es un efecto visual que se utiliza para generar y aumentar la ilusión del realismo cuando se trata de algo sobrenatural o imposible de filmar. La técnica consiste en pintar sobre vidrio y combinarlo con el decorado o la maqueta, lo que otorgará un efecto de gran realismo. Ej. Los pájaros (1963).   

MELODRAMA: El cine adopta el melodrama de la novela teatral de fines del siglo XIX, de la literatura de folletín y de la escritura naturalista. Uno de los precursores en llevar el melodrama al cine fue David W. Griffith, quien descubrió en el primer plano una forma de composición que acentuaba el drama. Ej. En Pimpollos rotos, lo utiliza sobre el rostro melancólico y desolado de Lillian Gish. Las historias del melodrama versan sobre la búsqueda de la identidad, pasiones desencontradas, hijos perdidos y/o robados, mujeres explotadas y dominadas, vidas miserables, sobre aquellos que dieron el mal paso, etc. Los personajes se destacan por ser transgresores de ciertas normas, se mueven por intereses ajenos a los suyos, lo cual los motiva a que actúen indebidamente. Son muy pasionales y viscerales. La sexualidad también juega un rol destacado en la construcción de intrigas. Hay varios tipos: melodrama familiar, social, amoroso, etcétera. Ej.: Cumbres Borrascosas (1939).     

MICRÓFONOS: La captación del sonido se realiza a través de los micrófonos. Hay una gran variedad de micrófonos utilizados por el cine y divididos en distintas categorías: según su construcción, para lograr una transformación de la señal, y según su captación: direccionales –bidireccionales, cardiode e hipercardiode–, omnidireccionales, micrófonos de mano, inalámbricos, corbateros y boom o caña.

MICROFONISTA: Trabaja junto con el director de sonido y se encarga de manejar y usar los micrófonos y accesorios, como así también asistir al sonidista.

MODISTA: Integra el equipo del director de arte y colabora junto a la vestuarista en la confección del vestuario que surge del guión.

MONTAJE: Es el gran organizador de la película, un principio constructivo del espacio y el tiempo del film. Para algunos directores es la herramienta más rica para armar su película una vez rodada y, para otros, es un elemento que incorporan durante el rodaje dentro del guión. El montaje conecta un plano con otro y determina: la duración de los mismos, la imagen que se muestra y cómo se encadenan los planos. Además, tiene la función de significar, de dotar de sentido a las imágenes que, aisladamente, no significarían lo mismo. De igual forma se trabaja con el montaje del sonido, con la banda sonora de la película. Por último, las imágenes y los sonidos seleccionados  generarán ese todo, que es el film terminado. Hay distintos tipos de montaje:

 ·         Montaje alternado: Se ven dos situaciones que suceden paralelamente en el mismo tiempo, ambas se muestran desde distintos puntos de vista, pero terminan uniéndose al final, como una convergencia. La vida de un bombero americano (E. Porter).

·         Montaje paralelo: Se ven dos situaciones que suceden paralelamente en el mismo tiempo, pero en distintos lugares y unidas dramáticamente. Ej. La escena del dormitorio en Cuando Harry conoció a Sally.

·         Montaje narrativo: Es el montaje más discreto, el que menos nota el espectador. Se lo denomina invisible porque no se perciben los cortes entre los planos, el cambio de plano se aparece como contínuo y fluído. Ej. los films clásicos de Hollywood.

·         Montaje de choque: También llamado montaje de atracciones, creado por el cineasta ruso Sergei Eisenstein, quien sostenía que al unir dos planos diferentes se produce un choque audiovisual, lo cual provoca y genera una nueva idea en el espectador, un nuevo significado. Este tipo de montaje toma de base el materialismo dialéctico de Marx (tesis-antítesis-síntesis). Ej. El Acorazado Potemkim.

·         Montaje en el plano: Se produce cuando dentro de un mismo plano de forma contínua, sin cortes, se muestran distintos objetos o situaciones, utilizando los movimientos de cámara y los distintos tamaños de plano. Su duración puede o no coincidir con el plano secuencia. Ej. La soga de Hitchcock.      

MONTAJISTA: Finalizado el rodaje, es uno de los rubros más importantes del cine porque el montajista se encarga del armado final de la película, con todo el material grabado en la sala de montaje se le da forma definitiva al film que verán los espectadores.  

MOVIMIENTOS: Los movimientos implican cambios, dinamismo, una renovación a ciertos modelos importados e impuestos. Surgen como consecuencia y paralelamente a cambios de nivel social, político y cultural en una sociedad. Así, se imponen nuevas estéticas, nuevos lenguajes y técnicas discursivas que ahondan en temáticas y en estilos diferentes, pero que comparten características y valores similares. Como las vanguardias, los movimientos coinciden en un deseo de construir un lenguaje audiovisual que se aparta de lo ya visto. Su auge se produce mundialmente en los inquietos años 60: En Italia se llamó Neorrealismo, en Francia la Nouvelle Vague, en Alemania el Nuevo Cine Alemán, en Inglaterra el Free Cinema, en Estados Unidos el New American Cinema. Influenciados por un aire renovador y con mucho por decir, los movimientos se fueron expandiendo dando origen al Nuevo Cine Latinoamericano: en Cuba se lo llamó Cine Revolucionario Cubano, en Brasil el Cinema Novo, en Argentina Grupo Cine de Liberación y Cine de Base, en Bolivia el grupo Ukamau, en Chile el Cine de la Unidad Popular, en Perú La Escuela de Cuzco. 

MUDO, CINE: Desde los inicios del cine hasta la primera película sonora, El cantor de jazz (1927), el cine careció de la voz humana, era un medio básicamente afónico. En las salas de cine, las imágenes estaban acompañadas de un comentarista que ejercía de maestro de ceremonias, comentando las imágenes. También se contrataba a un actor o cantante,  que relataba los diálogos de manera sincrónica con las imágenes proyectadas. Los efectos sonoros, como el galope de un caballo, los truenos, la lluvia, etc., se lograban mediante distintos artilugios, de forma sincrónica. La mayoría de las proyecciones se acompañaban de música. En las salas más grandes había orquestas y en las salas más chicas y humildes tan sólo un piano.  En la década de 1910 se componían partituras para películas, como en el caso del film de El asesinato del Duque de Guisa (1908), que pertenece al Film d´art francés.

Por lo tanto, el cine no era completamente silencioso, sino que sólo faltaba que los actores expusieran su voz, lo que suavizaría la exageración interpretativa. Hubo mucha oposición al cambio, a dejar de lado la mímesis. Ciertos actores o actrices no tenían buena voz y eso provocaba ciertos temores a perder el trabajo. Charles Chaplin, entre otros, fue un gran opositor. El sonido sería una intromisión a la pantomima y a la interpretación de sus films, era algo que sobraba y que sin eso no volvería a ser lo mismo. Sin embargo, la evolución tecnológica se impuso, y el tiempo hizo que las imágenes y el sonido terminaran siendo como una amalgama que enfatiza el realismo.

MÚSICA: Desde la incorporación del sonido en El cantor de jazz (1927) dirigida por Alan Crossland, el cine pasó a ser un medio audiovisual, se empleaban canciones y algunos diálogos. La música acompaña a la imágenes, genera diversos climas: tensión, miedo, sensualidad, y refuerza y enfatiza lo visual. La música logra trasladarnos dentro de ese universo ficcional que se nos presenta ante nuestra mirada.

Se pueden distinguir dos tipos de música: a) aquella que proviene de la escena que estamos viendo, y es llamada diegética; ej.: escuchamos música de piano y vemos a un pianista tocando en dicho piano; y aquella música que oímos, pero de la cual no vemos su procedencia, a la que se denomina extradiegética; ej.: los acordes que oímos en la saga de Tiburón cuando el animal se acerca. En este último caso, el solo hecho de escuchar la música, sin ver la imagen, nos permite imaginar una situación peligrosa, como un efecto reflejo de sustitución. La grandeza de ciertas películas está ligada a su relación y uso de la música como a la buena elección que los directores lograron con los músicos. Dentro de la historia del cine, fueron inolvidables las creaciones musicales de Bernard Herrmann, Nino Rota, Max Steiner y Lalo Schifrin, entre otros.     

MUSICAL, COMEDIA: Es un género que incorpora la música y las coreografías de baile a la historia que se narra, como parte del relato ficcional. Sus características principales son el reemplazo de los diálogos por canciones, la irrupción repentina, dentro de la acción, de escenas de baile que duran hasta que el tema musical termina, mientras despliegan elaboradas coreografías y acrobacias. Actores como Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene Kelly han dado muestras de sus destrezas en Cantando bajo la lluvia (1952), Un americano en París (1951), La rueda de la fortuna (1944), Escuela de sirenas (1944), donde se realizaban coreografías acuáticas con la participación de la nadadora Esther Williams o en Brindis de amor (1953), etc. Entre los directores de musicales se encuentran Busby Berkeley, Stanley Donen, Vincent Minelli, entre otros. La Novicia Rebelde (1965) o Mary Poppins (1964) fueron exponentes para los más jóvenes. Diferente es la calidad de los films de Bob Fosse, demostrada con los éxitos de Cabaret (1972) y All that jazz (1979). Actualmente la comedia musical es un género que ha quedado un tanto relegado y fuera de los cánones más taquilleros.   

MUSICALIZADOR: Integra el staff del director de sonido y se encarga de seleccionar y/o grabar la música que se utilizará en la banda sonora de la película.

Bibliografía consultada: Cine/Literatura. Ritos de pasaje, de Sergio Wolf. Ed. Paidós; Diccionario de Cine, de Eduardo Russo. Ed. Paidós; Historia del cine, de Román Gubern Vol. I, II y III Ed. Baber.

La imagen es de Alfabeto, creado por Abba Richman. 

Máster en Crítica Cinematográfica

AULA CRÍTICA suma, a los cursos que viene dictando regularmente, una nueva opción para quien quiera estudiar cine para ejercer la crítica cinematográfica.

Con un programa de 450 horas a lo largo de un año, y bajo la modalidad de educación a distancia, te ofrecemos el Máster en Crítica Cinematográfica, con un programa integrador de las distintas disciplinas que tienen que ver con el quehacer de la crítica.

Máster de titulación privada, que brinda un panorama completo sobre esta actividad, apoyado en temas de historia, teoría y análisis del cine, así como en la práctica de la escritura, la publicación y la programación cinematográfica.

Podrás obtener mayor información en nuestra página web, o escribiéndonos a admin@aulacritica.com

MATRICULACIÓN

Inicio de clases: 6 de octubre
Duración del máster: 30 semanas (en tres trimestres)

PLAN DE ESTUDIOS
(hacer clic sobre el cuadro para leer mejor)

El cineclub en Espiral

Durante la primera quincena de julio, la Asociación Espiral, Educación y Tecnología, celebró la primera Escuela Virtual de Verano en castellano (y la cuarta en catalán), dirigida a los docentes.

Desde Aula Crítica participamos de la experiencia, dictando el curso El Cineclub en la Escuela. Fueron dos semanas de trabajo intenso, pero muy productivo. Los estudiantes que realizaron el curso demostraron un gran compromiso con la propuesta y desarrollaron proyectos muy atractivos y posibles de llevar a cabo.

La comunidad de Espiral nos acogió con gran profesionalismo y afecto. Estamos encantados con los resultados obtenidos y esperamos poder repetir esta experiencia en una nueva oportunidad.

¡Gracias, Espiral!

GLOSARIO: L

Marcela Barbaro


LUZ: La calidad fotográfica dependerá de la función que se le dé a la luz, de sacar el mayor beneficio según la necesidad que requieran las imágenes y, por ende, lograr una cohesión y coherencia estética en toda la película. Es una de las tareas a desarrollar por el director de fotografía. Hay distintos tipos de luz:

Luz cenital: luz que se coloca por encima de un personaje, otorgándole un áurea cuasi celestial.

Luz contrapicada: es la iluminación que se realiza por debajo de un personaje, a fin de generar un aspecto tenebroso y de grandeza. Muy utilizado en los films de terror.

Contraluz: es la luz que se coloca detrás de la figura y que la despega del fondo.

Luz dura: se utiliza este término cuando se hace uso de la luz dirigida.

Luz incidente: es la luz que recibe directamente el objeto o superficie.

Luz lateral: es un complemento de las luces principales y de relleno. Se coloca de forma perpendicular al eje de la cámara, iluminando un costado del objeto o sujeto en cuestión.

Luz principal: luz que ilumina la cara, colocada a 45º con respecto a la mirada.

Luz reflejada: toda la luz que recibe un cuerpo es reflejada por éste, e inmediatamente captada por la cámara.

Luz de relleno: luz que equilibra la otra mitad de la cara.

Luces suaves: luces rebotadas para iluminar.


Bibliografía consultada: Cine/Literatura. Ritos de pasaje, de Sergio Wolf. Ed. Paidós; Diccionario de Cine, de Eduardo Russo. Ed. Paidós; Historia del cine, de Román Gubern Vol. I, II y III Ed. Baber.
La imagen es de Alfabeto, creado por Abba Richman.

GLOSARIO: K

Marcela Barbaro

KAMMERSPIELFILM: Movimiento cinematográfico en el cine alemán durante el período mudo de la década de 20. Provenía del teatro y fue impulsado por el artista Max Reinhardt. Este movimiento ponía su acento en la crítica social reflejada a través de situaciones cotidianas y realistas, su mirada contenía una profundidad psicológica y estéticamente se narraba con un tono poético e intimista. Eran obras dramáticas e intensas que se reforzaban con una fotografía que acentuaba los claroscuros y la oposición de los contrastes. La última carcajada (1925) de F. Murnau es un claro representante de este estilo.


Bibliografía consultada: Cine/Literatura. Ritos de pasaje, de Sergio Wolf. Ed. Paidós; Diccionario de Cine, de Eduardo Russo. Ed. Paidós; Historia del cine, de Román Gubern Vol. I, II y III Ed. Baber.
La imagen es de Alfabeto, creado por Abba Richman.

GLOSARIO: I

Marcela Barbaro



ILUMINACIÓN: No hay imagen en el cine que no esté pensada en función de la luz. La iluminación crea atmósferas, climas, genera efectos (día, noche, amanecer, atardecer, tormentas, etc.), completa y termina de darle forma estética a la imagen. La iluminación, sea natural o artificial, orienta al espectador. Hay distintos tipos de iluminación:

Iluminación amplia: poca relación o proporción (se denomina ratio) entre la luz principal (ver L) y la luz de relleno (ver L).

Iluminación frontal: las fuentes de luz se colocan sobre los objetos o los rostros desde la misma posición que la cámara.

Iluminación estrecha: gran diferencia proporcional entre la luz de relleno y la principal.

Iluminación contrastada: mucha diferencia entre la figura y el fondo.

Iluminación de contraluz: muy alta la luz de contraluz (ver L).

Iluminación de silueta: el contraluz está muy alto y no se usa la luz principal.

Iluminación dirigida: un objeto se ilumina con una fuente luminosa en forma directa, expandida o concentrada.

Iluminación rebotada: se trata de hacer rebotar los rayos lumínicos sobre otra superficie (tabla de poliestireno expandido, por ejemplo) para que se proyecten sobre el objeto a iluminar.

IMAGEN: Es el recorte de un espacio y de una porción de tiempo, la materia prima del cine. La imagen es como una palabra que el cine transformará en texto; es un silencio, una pausa y una visión. Tiene la virtud de comunicar, de emocionar, de atemorizar, de conmover. Nos hace abrir los ojos ante lo desconocido o cerrarlos ante el horror de lo inimaginable. Una imagen es al mismo tiempo inasible y sensitiva. Logra ser metáfora y poesía, reflexión y entretenimiento.

INDEPENDIENTE, CINE: Término ligado a la producción, a la distribución y a la estética, generalmente producidas al margen de los grande estudios, no respondiendo al Modelo de Representación Institucional. Tiene más libertad formal y creativa, no copia las formas de filmar de “las majors”, se aleja del circuito comercial y más rentable, y no le interesa hacer un cine políticamente correcto.
La importancia del cine independiente está dada por su carácter de innovación en cuanto a temas, modos de narración y técnicas visuales elegidas; características que atraen y que son consumidas por una gran parte del público, lo que demuestra, al mismo tiempo, que puede ser rentable. Ahí, es cuando la gran industria, según Paul Schaeder, se alimenta de los cineastas independientes porque saben que “los márgenes nutren al centro”. Para Hollywood son necesarios porque, de esta manera, abarca todos los sectores y los distintos públicos. Por lo tanto, tienen una relación de simbiosis, de interdependencia. Las majors buscan talentos en el Sundace Film Institute, que tiene el objetivo de promover y alentar a realizadores que se alejen y diferencien de los patrones rígidos establecidos por Hollywood.
Fuera de Hollywood, y para el resto del mundo, lo independiente tiene un sentido diferente que puede designar una forma creativa y artística alejada de la visión de cine como negocio de entretenimiento. Lo independiente visto como el medio para la difusión de ideas y la expresión artística; un cine que invita a repensarlo y reflexionar sobre el arte. Sus recursos financieros provienen de sectores públicos y/o privados y sus producciones son generalmente de bajo presupuesto.
Es una acepción que puede confundirse con lo experimental, con las experiencias de vanguardia o con el underground.
En Argentina, el Festival de Cine Independiente –BAFICI- es un gran exponente y una oportunidad de poder ver este tipo de cine.

INTERTÍTULOS: Forma de comunicación utilizada durante el cine mudo en forma de carteles negros e intercalados con las imágenes. Sobre ellos se anuncian frases, diálogos, o una expresión aclaratoria de lo que sucede en la pantalla. Surge como reemplazo al comentarista de películas que acompañaba la función imitando voces, ruidos, tocando el piano y comentando la acción que el público visualizaba. A diferencia de éste, los intertítulos requerían que el público leyera y compartiera el mismo idioma. Su función consistía en ayudar a la comprensión narrativa del film. Con la llegada del sonoro los intertítulos no desaparecieron por completo, algunos films los utilizan como separadores de secuencias, de escenas o como una forma nostálgica de homenaje.

IRIS: Efecto utilizado en el cine mudo que consiste en el cierre circular centrado en la pantalla, mientras alrededor se ennegrece totalmente. Se lo utilizó para focalizar y detallar ciertos objetos y rostros como en Broken Blossoms (D. W. Griffith, 1919). Actualmente, algunos directores usan ese efecto de iris como un cálido recuerdo de aquel período silente.

Bibliografía consultada: Cine/Literatura. Ritos de pasaje, de Sergio Wolf. Ed. Paidós; Diccionario de Cine, de Eduardo Russo. Ed. Paidós; Historia del cine, de Román Gubern Vol. I, II y III Ed. Baber.
La imagen es de Alfabeto, creado por Abba Richman.

GLOSARIO: H

Marcela Barbaro


HARDCORE: Conocido también como pornografía. En la década del 70 el éxito del film estadounidense Garganta Profunda (Gerard Damiano, 1972) marcó una legitimación en la industria. Films con imágenes de sexo explícito, privilegiadas sobre la narración y el diálogo. Utilizan con preferencia el primer plano, el plano detalle, los planos conjunto y la fragmentación visual. No apelan a la sugerencia, como los films eróticos, sino que muestran el cuerpo desnudo en su totalidad, detallando las zonas erógenas. De gran consumo por parte de los espectadores y un negocio para la industria.

HOLLYWOOD: Si el cine nació en Francia, fue en Hollywood donde creció, se expandió, se comercializó y se industrializó. Transformada en la “Meca del cine”, desde 1911 hasta fines de los años 50, allí surgieron y se instalaron los grandes Estudios, las superproducciones, las estrellas y el star system, la producción seriada de los géneros, etcétera. Desde Hollywood se monopolizó el mercado cinematográfico, erigiéndose en “el modelo” a seguir para el resto de los países. Su penetración no sólo se determinó por los modelos de realización, sino también por lo político e ideológico. Fue un Paraíso de los excesos que lo prometía todo, un lugar donde se podía cumplir y llevar a cabo cualquier fantasía. Hoy, envejecido y fagocitado por las grandes compañías, es un lugar emblemático para visitar, un espacio donde las imágenes nunca terminarán de apagarse.



Bibliografía consultada: Cine/Literatura. Ritos de pasaje, de Sergio Wolf. Ed. Paidós.; Diccionario de Cine, de Eduardo Russo. Ed. Paidós.; Historia del cine, de Román Gubern Vol. I, II y III Ed. Baber.
La imagen es de Alfabeto, creado por Abba Richman.

GLOSARIO: G

Marcela Barbaro



GAG: Dentro de la comedia, un gag vine a demostrar que no todo es predecible, y que las situaciones tienen giros inesperados. El gag juega con lo esperado para hacer lo contrario, utilizando el cuerpo y no la palabra, como es en el chiste, así el efecto humorístico produce un resultado inusitado. Buster Keaton fue un experto en el uso del gag.

GÉNEROS: Es un criterio de clasificación y de agrupación por temáticas y estilos. Se reconoce a un film de un determinado género, porque establece códigos propios, a través de los cuales se diferenciará de otros, y se podrá reconocer en el discurso y la estética que imponga. El cine aplicó los géneros provenientes de la literatura y el teatro, y creó algunos propios, como el western. La consolidación y el auge de la industria cinematográfica impuso al género en la producción de películas; por ejemplo, cada uno de los grandes Estudios se especializó en producir un determinado género.
La misma evolución del cine modificó y amplió el concepto de género, le fue quitando la rigidez propia de la clasificación que limitaba tanto a los autores como al público, ya que éstos terminaban de anticipar la propuesta discursiva de una película. Actualmente, los géneros se entrelazan con el resultado de obras híbridas.
Una posible clasificación en géneros sería: comedia, drama, western, musical, suspenso e intriga, terror, acción, infantil, fantástico, ciencia ficción, aventura, bélico, época, documental, etcétera.

GRAN ANGULAR: Tipo de lente que se utiliza para poder registrar grandes espacios, con profundidad, con la finalidad de permitir que los objetos cercanos y lejanos queden simultáneamente en foco. Tiene la desventaja de deformar los objetos que se encuentran en el borde del cuadro, dando una ligera sensación de aglobamiento. Como ejemplo del uso del gran angular hay dos casos opuestos: en el cine de Orson Welles otorga una estética impecable y autoral, mientras que en manos de Terry Williams es satírico y paródico.

GUIÓN: Es la descripción de lo que se ve y se dice en un film. Al escribir un guión no se utilizan adjetivaciones ni circunstanciales, como en una novela o en un cuento, porque serían muy difíciles de adaptarlos al lenguaje cinematográfico. El desarrollo de la historia hay que pasarla a signos e imágenes, o sea hacerlos fílmicos.
Tiene distintas etapas:
1) Sinopsis (es una síntesis argumental donde se encuentran los principales puntos a desarrollar: protagonista/s, meta u objetivo, motivación, antagonista/s, desarrollo del núcleo dramático y desenlace).
2) Libro cinematográfico (es la historia narrada con diálogos y acciones en forma de novela; se lo llama guión literario a la europea, porque se escriben los diálogos a mitad de la hoja para destacarlos).
3) Guión literario (se escribe a dos columnas: en una se coloca lo que se dice y en la otra, la acción y dónde transcurre. Se lo divide por secuencias y escenas).
4) Guión técnico (es similar al anterior, pero se le agregan los elementos técnicos: posiciones y movimientos de cámara, tamaños de plano, etcétera).

GUIONISTA: Imaginar una historia y plasmarla en un papel es el rol del guionista, quien se encarga de crear el armazón de una película. Con un buen guión está la mitad de las probabilidades de producir una buena obra. Un guionista no necesariamente tiene que ser un escritor, pero sí alguien que sepa traducir los conceptos al lenguaje cinematográfico.

GRÚA: Es una plataforma elevadiza con un brazo mecánico donde se instala la cámara. Sirve para realizar tomas que necesitan ser capturadas en amplitud y desde lo alto, bajo una mirada distinta, que generalmente termina dando paso o introduciéndose dentro de la imagen cuando el plano se reduce. Tanto el operador como el director pueden supervisar desde allí. El travelling (filmar en movimiento), utiliza la grúa cuando se desplaza hacia arriba.

Bibliografía consultada: Cine/Literatura. Ritos de pasaje, de Sergio Wolf. Ed. Paidós.; Diccionario de Cine, de Eduardo Russo. Ed. Paidós.; Historia del cine, de Román Gubern Vol. I, II y III Ed. Baber.
La imagen es de Alfabeto, creado por Abba Richman.

VER GLOSARIO GENERAL

GLOSARIO: F

Marcela Barbaro




FANTÁSTICO O FANTASÍA, CINE: Es un género opuesto al realismo. Tiene sus leyes propias y construye un universo paralelo, poblado de seres y objetos que sólo son posibles dentro de la fantasía. El hombre y los seres sobrenaturales se relacionan y conviven como en El mago de Oz (Victor Fleming,1939). Sus relaciones como sus roles pueden ir desde una armoniosa convivencia hasta grandes luchas o peleas por ver quién ejerce el dominio sobre el otro. Abarca tanto a los films de terror (El hombre invisible, James Whale,1933), como a aquellos meramente fantásticos (la saga de La historia sin fin, 1984/90/94, Narnia, Andrew Adamson, 2005).

FICCIÓN: Contraria a la realidad, la ficción se despliega en el ámbito de la creatividad, de la imaginación, el sueño y, por lo tanto, cercano a lo irreal, a lo ficticio, que se desarrolla paralelamente al mundo concreto y tangible. Es un espacio donde se cultiva y desarrolla la invención que luego será volcada en relatos que otorgan ese contrapunto necesario, esa pausa merecida que nos reclama la existencia.

FILM D’ART: Para que el cine se diferencie de la condición de entretenimiento como era considerado en sus inicios, y se lo incluya dentro de las artes nobles, como la literatura y el teatro, había que darle herramientas más formales, una estética suntuosa, sofisticada, guiones bien elaborados, etc.; de esa manera, lograría autonomía, prestigio y pasaría a ser visto y consumido por otra clase de público, uno más exigente y elitista. Bajo esas premisas surgió en 1908 una sociedad denominada Film d’art, que llevó al cine obras teatrales de importantes autores con la participación de renombrados artistas de la época, desde literatos hasta escenógrafos. Uno de los films más conocidos fue El asesinato del duque de Guisa (André Calmette,1908), un ejemplo de obras que entran en la categoría de teatro filmado y que se alejan del verdadero cine.

FILMOGRAFÍA: Información y relación que tenemos sobre las películas realizadas por un autor determinado, o las obras de un mismo género, que se ordenan cronológicamente. Sirve para conocer y estudiar la trayectoria de un artista a lo largo del tiempo, casi como una biografía.

FLASH-BACK: Recurso que se utiliza cuando, al narrar una historia en tiempo presente, se necesita recurrir al pasado. Para ello, se muestra o se cuenta algo que ya ocurrió y que servirá, tanto al espectador como al desarrollo del relato, para completar la información. Es un volver hacia atrás, que no detiene la historia, sino que la vuelve más comprensiva e interesante. Puede ser utilizado en un sólo plano, como los recuerdos en Hiroshima, mon amour (Alain Resnais,1959), en una escena, o en casi toda la película, como en Memento (Christopher Nolan, 2000).

FOTOGRAFÍA, DIRECTOR: Encargado de la calidad de imagen que veremos en toda la película: el tipo de textura que tendrá, el tinte cromático al que vire, la puesta de luces y de cámara, los filtros y las lentes que se adecuen de la mejor manera a la historia que se está contando. El director de fotografía le impone una estética a la imagen. Por ejemplo, en Pizza, birra, faso (Caetano-Stagnaro,1997) la elección de una textura de gran nitidez visual con una cámara fija no le hubiera dado el mismo marco contextual que la historia necesitaba, eso derivó en la acertada elección de una imagen turbia, con mucho grano y la cámara en movimiento.

FOTO FIJA: Persona que se encarga de tomar fotos durante el rodaje para publicitar y promocionar la película. Trabaja dentro del área de la dirección de fotografía.

FOTOGRAMA: Una película se compone de una sucesión de fotos fijas, llamadas fotogramas. Su equivalente sería una palabra. Para que las palabras adquieran sentido, se las deberá leer de corrido. En el cine, la sucesión de 24 fotogramas por segundo (la velocidad utilizada para generar movimiento), determinará una gramática fílmica con la cual podemos contar algo, narrar historias o leerlas a través de las imágenes en movimiento.

FREE CINEMA: Movimiento cinematográfico inglés que surgió en los 50, que pregonaba un cine libre y cercano al documental o al neorrealismo. Contó con el apoyo del Instituto Británico de Cine. Todo movimiento surge del contexto sociopolítico que lo genera. En este caso, el desmoronamiento del viejo Imperio Británico, al que los conservadores no quieren renunciar. La crisis del laborismo, la carrera de armamentos, la amenaza nuclear, la despolitización de las masas, el conformismo moral y la mediocridad cultural fueron algunos de los catalizadores, para que un grupo se diera a conocer, al publicar el “Manifiesto de los jóvenes airados” en 1958. Los autores fueron John Osborne, Lindsay Anderson y Carol Reizs entre otros. Estos jóvenes cineastas querían representar a los seres anónimos de la sociedad, lejos del formalismo de la burguesía y con libertad formal y temática de creación. Rodaban con pequeños equipos y al margen de los estudios, con poco presupuesto y una buena banda sonora. La productora Woodfall Film fue la que intentó conceder una independencia al movimiento. Algunos de sus títulos y representantes fueron Lorenza Mazzetti (Together, 1956), Lindsay Anderson (Dreamland, 1953), y Karel Reisz y Tony Richardson (Momma don´t allow, 1955).

FUERA DE CAMPO: Término relacionado con el campo (ver definición), que existe sólo en función de éste. Es un concepto que surge cuando algunos elementos (personajes, objetos, decorados, etc.) por más que no estén dentro del campo, son recreados por el espectador de manera imaginaria. Por ejemplo, si un personaje dirige su mirada hacia los laterales del cuadro (bordes) y comienza a hablar, el espectador supondrá que alguien, que no vemos, está allí interactuando o escuchando a nuestro personaje.

FUERA DE FOCO: Cuando vemos que una imagen nítida pierde definición, decimos que está fuera de foco. Se transforma en una imagen que logra tener un efecto fantasmal, onírico, alucinógeno. También puede suceder lo contrario, estar fuera de foco y volverse nítida.

FUNDIDO: Es una transición, en la que el plano se va oscureciendo hasta llegar a negro, o se va iluminando hasta llegar a blanco. También se lo llama fundido de cierre. Y se denomina fundido de apertura si desde el negro va formándose una imagen. Con esta puntuación se pasa de una secuencia a otra. También existe el fundido encadenado, en el cual una imagen se va desvaneciendo mientras aparece otra, relacionándose para continuar la historia que se narra.

Bibliografía consultada: Cine/Literatura. Ritos de pasaje, de Sergio Wolf. Ed. Paidós.; Diccionario de Cine, de Eduardo Russo. Ed. Paidós.; Historia del cine, de Román Gubern Vol. I, II y III Ed. Baber.
La imagen es de Alfabeto, creado por Abba Richman.

VER GLOSARIO GENERAL

GLOSARIO: E

Marcela Barbaro


EDITOR DE SONIDO: Toda banda sonora se compone de música, sonidos, ruidos, efectos especiales, diálogos y doblajes. El editor de sonido es quien se encarga de obtener, darle un orden y compaginar los ruidos y sonidos que se requieran en una película.

EFECTOS ESPECIALES: El recordado ilusionista y cineasta francés Georges Méliès introdujo los trucos, o sea su magia, a la magia del cine. En principio los realizó desde la cámara, durante el rodaje, o manipulando los objetos. Así, todo efecto especial modifica lo filmado, con el fin de generar una nueva imagen. Los efectos especiales también pueden realizarse en la etapa de posproducción, creando objetos, personajes y hasta espacios nuevos. El advenimiento del digital posibilitó la independencia completa de lo visto en pantalla con lo filmado de la realidad, como era hasta entonces. En el cine, ya nada es imposible.

ELENCO: Se compone de todos los actores y actrices principales y secundarios que participan con un papel determinado en una obra cinematográfica o teatral.

ENCUADRE: ¿Qué mira la cámara?, ese es el inicio del encuadre, el punto de vista desde donde se registra y se observa. ¿Cómo se lo hace? Desde cada uno de los lugares que se elija para filmar se podrá representar algo diferente, una porción de espacio que se elige con un sentido narrativo y estético singular. Uno de los directores más famosos que basó su filmografía en el uso del encuadre fue Orson Welles.

ENSAYO: Etapa de entrenamiento actoral y de puesta en escena previa al rodaje. En el ensayo, se compone el personaje, surge y se le da forma, relacionándolo con el resto de los roles y elementos que lo acompañan e influencian en su desarrollo interpretativo. Dentro del ensayo hay etapas que deben cumplirse, pero quedan a criterio de cada director. Comúnmente son las siguientes: elección de los actores, entrevistas personales, trabajo de mesa, improvisaciones, memorización de textos y pruebas (vestuario, maquillaje, decorados, etcétera).

ESCENA: Toda película está compuesta y divida por escenas. Éstas se componen de distintos planos que se relacionan bajo un mismo criterio de unidad de espacio y de tiempo para darle coherencia narrativa a la historia que se cuenta. Una misma escena puede tener un solo plano y contar algo, como el inicio de Psicosis.

ESCENOGRAFÍA: Pertenece al área o departamento que está dentro de la Dirección de arte. Se divide en dos grupos: la escenografía de exteriores y de interiores. Los exteriores pueden tener distintos estilos: realista, fantástico y espectacular. Tienen que ser situacionales y geográficos, o sea demostrar las características propias del paisaje donde se hallan, la situación histórica y social en la que se enmarca la historia y la época donde se desarrolla para que sean concordantes. También deberá brindar una atmósfera adecuada, un marco de referencia no sólo hacia lo que se está contando sino también hacia los personajes que allí actúan.
La escenografía de interiores está relacionada con el teatro y se divide en: clásica (donde prepondera lo arquitectónico), naturalista (utiliza telones pintados), verista (sus decorados son fantásticos o irreales), romántica (usa decorados grandiosos enfatizando el contexto), expresionista (la luz tiene una función interpretativa, además de lo pictórica), realista (hace uso de utilería real para recrear ambientes con mayor verismo), documentalista (sus escenarios son naturales y verdaderos).
La escenografía también se basa en la utilería. Las hay de dos tipos: la utilería de campo y la utilería de acción. En la historia del cine, hay escenografías que quedaron en el recuerdo, como las de Metrópolis, Ciudad Gótica y Gladiador, entre tantas otras.

ESCENÓGRAFO: Se desempeña dentro de la Dirección de arte de un film. Su tarea consiste en hacer los bocetos, maquetas y diseños de la escenografía que luego llevará a cabo.

ÉPICO, CINE: Grandes presupuestos, escenarios suntuosos, ambientación histórica, míticos personajes y la epopeya como algo grandioso, son algunos de los pilares del cine épico, dedicado a retratar temas religiosos o bíblicos como Los diez mandamientos o reconstrucciones históricas como Ben-Hur. Tuvo su auge en Hollywood durante los años 50 y 60. Es un género que rescata valores colectivos representados bajo la grandilocuencia valerosa de los héroes.

ESTÉTICA DEL CINE: La definición de estética del cine implica el estudio del cine como arte, la interpretación de los films como mensajes artísticos. Esta concepción conlleva una idea sobre lo “bello”, sobre el gusto y el placer del espectador como del teórico en su acercamiento al cine. Su campo de trabajo son los textos (los films) plausibles de ser leídos e interpretados.

EXHIBIDOR: La industria cinematográfica está compuesta por tres sectores: la producción, la distribución y la exhibición. Esta última se encarga de mostrar la película al público en sus salas, quedándose con el 50%, aproximadamente, de cada entrada vendida. En este ámbito, hay competencia en cuanto a la calidad de las salas donde se exhiben las películas y en cuanto al tipo de películas que se exhibe; algunas se dedican al cine arte y otras al cine de entretenimiento. Los costos de importación de películas extranjeras que no llegan a la Argentina o que no pueden ser adquiridas por la crisis económica, es otro problema que deben enfrentar. La mayoría de los films que se exhiben son de procedencia norteamericana, dejando poco lugar o tiempo de exhibición al cine periférico.

EXPRESIONISTA, CINE: Es un movimiento pictórico y literario que tuvo lugar en Alemania a comienzos del siglo XX y en otros países de Europa, en oposición al Impresionismo. Los expresionistas no querían reflejar el mundo de manera fiel y realista como lo hacían los impresionistas, ellos estaban interesados en romper las formas. Su objetivo era transmitir las emociones y los sentimientos más profundos donde se refleje y expongan temas derivados de la guerra, la urbe, la fragmentación, el miedo, la pérdida de la identidad y el fin del mundo (Apocalipsis). Fueron obras enérgicas y emotivas, que también demostraban su percepción sobre la locura, el amor, el delirio y la naturaleza. En el cine, el film alemán El gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene, 1919), dadas sus características pictóricas y escenográficas, como su representación actoral y su temática, podría catalogarse como expresionista.

Bibliografía consultada: Cine/Literatura. Ritos de pasaje, de Sergio Wolf. Ed. Paidós.; Diccionario de Cine, de Eduardo Russo. Ed. Paidós.; Historia del cine, de Román Gubern Vol. I, II y III Ed. Baber.
La imagen es de Alfabeto, creado por Abba Richman.

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